Loudness wars - битва за громкость (траффик!)

Поклонники "Металлики" потребовали пересведения последнего альбома группы Death Magnetic ввиду его "перекомпрессированности" и "наличия большого количества искажений". Они объединились и хотят добиться своего требования через суд - число таковых (американских) граждан в январе составляло 19 000. К ним поспешили присоединиться поклонники группы Red Hot Chili Peppers (РКЧП), которые, пусть с изрядным опозданием, требуют теперь пересведения альбома Californication.



То, что звучит как анекдот, на самом деле есть айсберг проблемы весьма насущной. Ей посвящена целая серьезная статья в Википедии. Владеющие английским языком могут прочесть ее здесь ...

Называется этот аспект современной культуры не иначе как loudness wars - "битва за громкость".

Что же это за "громкость"? Как ее себе представить и как ее измерить? Упростив немного, можно сказать, что мы ощущаем эту разную "громкость", например, тогда, когда прерывается фильм и начинается рекламный блок на ТВ. Реклама громче! Приходится то и дело тянуться к ДУ и делать тише. Почему? Потому что рекламодатели хотят, чтобы их ролики "прорвались" через перегруженную другими звуками бытовую среду. Поэтому они используют возможности носителей и вещательного тракта до предела.

Каким образом? Чтобы это понять, нужно коротко объяснить, что такое компрессор в мире звукорежиссуры (не в мире архивации данных) - именно коротко, ибо науку о том, как работают компрессоры и как ими пользоваться, звукрежи изучают годами. Саундтреки фильмов, как и музыкальные записи обладают определенной динамикой, то есть как тихими, так и более громкими пассажами. В фильмах она, как правило больше - когда на Индиану Джонса падает скала, то это должно быть намного громче тех комплиментов, которые Джонс нашептывает на ухо своей героине. В рекламе - наоборот, динамика не нужна, каждое слово (диктора) Сергея Чонишвили должно донестись до уха домохозяйки в борьбе с журчащей водой из-под крана и криками дедушки из спальни. В музыке динамика зависит от жанра, и об этом мы ниже поговорим чуть подробнее. Прибор, который уменьшает динамику (то есть делает тихие места громче), и называется компрессором. В результате то, что принято называть средней громкостью, становится выше. Средняя громкость измеряется по-разному, но наиболее простой и понятный способ - измерять ее прибором или плагином, анализирующим так называемый RMS (root mean square - одна из разновидностей средней громкости).

Чуть-чуть истории - не так подробно как в википедии, но чтобы корень был "виден". Итак, первоначально (то есть с шестидесятых годов прошлого века) вопрос громкости аудиозаписей интересовал лишь вещателей электронных СМИ, а звукозаписывающую индустрию - нет. Вещатели, которым неудобен слишком динамичный сигнал, сами решали этот вопрос путем установки так называемого FM-процессора - компрессора, который отдельно обрабатывает каждый частотный диапазон и готовит сигнал к частотной модуляции через передатчик. То есть вещатели компресиируют сигнал, чтобы компенсировать несовершенства вещательного формата. Однако со временем и звукозаписывающие компании стали отдавать на эфир поп-радиостанций радиоверсии песен, сведенные громче обычного, - чтобы быть заметнее на фоне остальных и таким образом увеличить продажи. Это стало началом гонки за громкость в музыкальном бизнесе.

Для нас это повод начать новый абзац. Пионерами "громкой" музыки были работники легендарного детройтского лейбла Motown в поздние шестидесятые. Вся коммерческая музыка тогда существовала только на виниле и в радиоэфир попадала тоже только через проигрыватель (как правило, на радио, равно как и в музыкальных автоматах, использовались 7-дюймовые синглы).



Поэтому мотауновцы стали добиваться наибольшей громкости путем увеличения нажима на резец при создании матрицы - исходника для виниловой печати. Чем сильнее нажим, тем глубже звуковая дорожка на болванке (по-английски именно это называется словом "groove") - и тем она шире. А значит, и громче. Недостаток этого приема в том, что легко переборщить и довести до трещины. Очевидно также, что изобилующая частыми пиками громкости музыка усложняет глубокую нарезку. Мотауновские каттинг-инженеры поставили задачу сокращения "излишней" динамики перед инженерами сведения - слишком "тихие" (то есть динамичные) треки отправлялись на пересведение. Следующее поколение инженеров винилового станка на Motown уже стали самостоятельно компрессировать треки перед нарезкой с помощью приборов, используемых ранее лишь при студийном сведении. По сути дела они изобрели то, что мы сегодня называем мастерингом.



Что же изменилось с тех пор? Появился клубный диджеинг, то есть проигрывание виниловых пластинок в (шумных!) условиях клуба. Клубные диджеи столкнулись с тем, что слишком тихие композиции становятся причиной заводящихся игл - им приходится корректировать входной сигнал с помощью ручки Gain, и если диджейка не изолирована от саундсистемы хоть как-нибудь, то иглы могут "заводиться". Разумеется, это связано с несовершенством винилового формата как такового: для того, чтобы насладиться всеми его преимуществами, нужен почти идеальный тракт... Очередным трюком стало изебретение в конце 70-х макси-сингла - полнометражной "сорокопятки", использующей всю длину винилового LP для одной композиции. В результате звуковая дорожка могла быть намного шире, а значит - громче.



Ну и, конечно же, появилась "цифра". Ранние цифровые носители и устройства тоже имели свои недостатки. Шестнадцатиразрядный формат CD допускает лишь примерно 65000 разных значений громкости, что не так много, как кажется. Наглядности ради можно привести аналогию с цветопередачей на компьютерных экранах. Переключите свой монитор на 16-битный цвет - изображение станет более дискретным (градация цветовых оттенков будет более явной). То же самое просходит и со звуком на CD. Вдобавок к этому особенно ранние поколения бытовых проигрывателей были столь несовершенны, что весьма плохо справлялись с воспроизведением тихих участков - было заметно ступенчатое изменение громкости. Фактически 16-разрядная глубина достигается только близко к максимально допустимому уровню сигнала. Это стало очередным поводом увеличить компрессию при сведении и мастеринге - чтобы в фонограмме не было слишком тихих пассажей. Появилась новая категория цифровых обработок (плаг-инов) под названием "максимайзеры" - компрессоры, более или менее жестко ограничивающие уровень сигнала. Чувствуете, это уже термин из совсем недавнего прошлого. В результате удачной маркетинговой стратегии производителей таких обработок максимайзеры вошли в дом каждого звукорежиссера. Удобно: с помощью максимайзера мы не только оптимально используем все возможности CD-формата, но и создаем более конкурентноспособный (потому что громкий) музыкальный продукт.

Это явление (битва за громкость) проникло глубже в нашу повседневную жизнь, чем может показаться на первый взгляд. Родилась настоящая мода на громкость. Даже производители классических роялей не остались в стороне: если сравнить звучание Steinway начала 20-го века со свучанием современного, то ... вы угадали: современный звучит громче, агрессивнее. То же самое справедливо и для киноиндустрии, где спецэффекты (взрывы и другие) сегодня принято доводить почти до болевого порога слушателей.

Тут мы возвращаемся к недавним альбомам "Металлики" и РКЧП. Кстати, продюсером "Death Magnetic" является звезда среди рок-продюсеров - Рик Рубин. Продюсером Californication - тоже Рик Рубин!



Справедливости ради нужно отметить, что мистер Рубин – лауреат премии Грэмми за звукорежиссуру, также он известен как домашний аудиофил (владелец домашней хай-энд системы за 60 тыс. долларов), увлекающийся самой разной музыкой, включая джаз. Рубин спродюсировал целый ряд альбомов, получивших признание в среде профессионалов за удачное сведение. В связи с этим некоторые блоггеры утверждают, что Рубин сознательно выбрал “жесткач”, чтобы создать контраст к альбому Металлики "Black Album" - слишком попсовому и мягкому по мнению многих "металлистов". То есть он якобы испортил звук из артистических, концептуальных соображений. Чтобы вернуть "тяжеляк".

Но очевидно, что если уже поклонники тяжелого металла жалуются на чрезмерную громкость, "перекомпрессию" и "перелимитирование" (лимитер - суть компрессор более высокой степени), то пришла пора серьезно задуматься.



Вся степень ущерба раскрылась совершенно неожиданно. А именно: записи упомянутого альбома ("Death Magnetic") были лицензированы для игры "Guitar Player", причем как целиком, так и частями. И тут-то поклонники Металлики смогли сравнить! Не откажем и себе в этом удовольствии:



Удивительно, но разница слышна даже при проигрывании на крошечных динамиках моего Powerbook. Чрезмерная компрессия не способствует благозвучности. Попросту говоря, возникают искажения. Плавная волна синусоидального сигнала стремится к квадратной форме, и все менее становится похожей на естественный звук. Слишком закомпрессированные записи невозможно слушать громко - устают уши, а бытовая аппаратура с трудом справляется с возпроизведением квадратной волны. В результате достигаемый перекомпрессией эффект (как это ни иронично) противоположен тому, что был задуман: слушатель повернет ручку громкости влево. То есть, сделает тише. Плохо так же то, что многие не очень опытные товарищи злоупотребляют компрессией и лимитированием при сведении - в результате они начинают заменять собой собственно качественный микс.

Можно ли обнаружить такую же тенденцию – усиливающуюся с годами погоню за громкостью – в электронной музыке? Чтобы проверить, я собрал 10 композиций от известных героев электронного жанра. Оказалось, что в моей фонотеке качественные записи ранних 90-х – дефицит. Но некоторые я нашел. Вот список выбранных мной композиций:

1993 VIRTUAL SYMMETRY See You

1994 MASSIVE ATTACK Karmacoma

1995 BANCO DE GAIA Kincajou

2000 ST_GERMAIN Sure Thing

2000 KRAFTWERK Expo2000

2006 VILLALOBOS Lazer@Present

2007 APPARAT Arcadia

2007 UNDERWORLD Beautiful Burnout

2008 GUI BORATTO Annuciación

2008 JORIS VOORN Minor

Разумеется, эти 10 примеров не претендуют на всеобъемлюющее исследование, да и формат статьи этого не позволил бы. Кроме того, у разных мастеринг-инженеров – разные представления о “допустимой” максимальной компрессии, громкости и так далее, поэтому и в 21-ом веке делаются записи, откомпрессированные не “по-бармалейски”. Заметим также, что чем “ближе к танцполу”, тем логичнее стремление к громкому треку, и это тоже особо заметно на более поздних записях.



Несмотря на то, что на первый взгляд различия не столь драматичны (мы проверяем среднюю громкость по графе “RMS” внизу под столбиками индикатора), самыми громкими треками являются композиции Виллалобоса (переиздание этих более ранних треков в 2006 году на CD) и Йориса Фоорна (2008), а самыми “тихими” - произведения Virtual Symmetry (1993 на Harthouse / Eye Q) и Banco de Gaia (1995). Действительно, в 1993 году вот так не сводили:



А в 2006 году не сводили вот так:



Чтобы оценить значимость нескольких децибел разницы в средней громкости, напомню, что 6 децибелов означает разницу вдвое, 3 децибела – в полтора раза. Таким образом, 1,5 децибела разницы означают, что один трек громче второго на четверть.

Исключением, подтверждающим правило, в моей подборке является пример Gui Boratto. Замечу, что все работы этого музыканта мастерит Robert Babicz – известный саундфрик и уважаемый в мире мастеринга специалист. Так же, как и я, Роберт выступает за сдержанность и чувство меры при лимитировании. То, что мастеренные у него вещи звучат отменно, лишний раз доказывает: в профессиональной мастеринг-студии есть возможности, недоступные на домашнем ПК. Инструменты, позволяющие без кардинального ухудшения качества скомпрессировать и отлимитировать фонограмму, стоят дорого. Вот почему аналоговый мастеринг стоит своих денег.

Сегодняшние цифровые форматы прекрасно справляются с тихими музыкальными фразами. Проблема соотношения сигнал-шум - в прошлом. Лишь только винил по-прежнему требует высокой громкости (которой, кстати, только на стадии нарезки матрицы можно достичь оптимальным образом) и правильного мастеринга по басу. Я готов зайти даже так далеко, чтобы утверждать: чем тише, тем благозвучнее.

Получается, что изначально увеличение громкости аудиозаписей было нужно лишь для компенсации недостатков звуконосителей и вещательных трактов, и применялось весьма сдержанно – аналог требует соблюдения определенных рамок (в частности, слишком широкая звуковая дорожка на виниле может привести к тому, что игла выскочит из нее во время воспроизведения). Появление цифровых форматов полностью развязало руки тем, кто решил с помощью громкости “растолкать локтями” своих конкурентов. То, что сперва было необходимостью и применялось с умом, со временем превратилось в прием для увеличения продаж. Эта “тенденция” сегодня дошла и до творческих мастерских самих музыкантов.

Нам стоит поучиться у любителей классической и джазовой музыки бережному отношению к музыке как к таковой. Иначе скоро между рекламными роликами на ТВ и нашими любимыми записями в мп3-плеере не будет никакой разницы в звучании.

Максим - The Lizard - Милютенко

Взято с http://www.44100.com